２００６年１２月

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１２月１日（金）

今年も最後の月だ。時の流れは速いが、不思議なもので、１ヶ月前はひどく昔のことのように思える。「シラノ・ド・ベルジュラック」からまだ１ヶ月しか経っていないとは思えない。

今日はそこそこ長めに仕事。銀閣道は修学旅行生も含めて多くの人が押し寄せ、さながら一昔前の竹下通り並みの混雑だ。

大植英次指揮大阪フィルハーモニー交響楽団（大フィル）のＣＤを聴く。マーラーの交響曲第６番「悲劇的」。２００５年５月、東京のサントリーホールでの「大阪フィル東京定期演奏会」におけるライヴ収録。フォンテックからの発売。

大植と大フィルは東京定期に先駆けて、大阪での定期演奏会で「悲劇的」を演奏。私も客席にいたが、日本のオーケストラと日本人指揮者によるマーラーとしては最高の出来であった。ＣＤに収められた演奏も上質で、知らないで聴いたら、日本人指揮者と日本のオケによる演奏とは気づかないだろう。

大阪フィルは、大植の前任者である故・朝比奈隆と毎年東京定期演奏会を行っていたが、大植は東京公演に慎重な態度を見せ、就任３年目の２００５年にようやく東京に打って出た。録音からは「東京の聴衆に大阪フィルの力をアピールする」という気負いも少し感じられる。
テンポ設定は大阪公演の時と同様、非常に速い。特に第１楽章冒頭は力みもあったのか攻撃的な速さだ。大阪の時はスピーディーでも安定が感じられたが、この録音では何よりも気迫が優先されているようだ。気負いすぎと思えるところもあるが、大植の迸る情熱と大フィルのアンサンブルの威力に圧倒される。
大植と大フィルの好調は全曲を通して続き、更に録音も優秀であるため、生命力に満ちた「悲劇的」（とは変な言い方か）を楽しむことが出来る。ハンマーによる打撃も生々しくマイクが捉えており、視聴している部屋そのものが揺らぐほどの大迫力だ。

ヴィルヘルム・ケンプの弾く、シューマンの「謝肉祭」と「子供の情景」を聴く（ドイツ・グラモフォン）。
ヴィルヘルム・ケンプは２０世紀ドイツを代表するピアニスト。明解なピアノを奏でる人だ。
「子供の情景」なども一音一音がはっきりしているが、そのためか、あっさりした印象。一番有名な「トロイメライ」などは独特の味わいがあるが、引き飛ばしているな、という印象を受ける曲もある。
 

少し早めに眠る。（了）

１２月２日（土）

空の半分を黒い雲が多い、もう半分は青空が高い。妙な空だ。

午前中、左京区浄土寺付近で仕事。見知らぬおばちゃんに、「お兄さん、えらいな」と声を掛けられる。見るからに重労働だからだろうか。しかし３０過ぎた男は「お兄さん」と呼ばれて良いものなのか？　３２歳はおじさんというにはまだ少し若く、お兄さんと呼ぶには少し年だ。微妙な年頃である。ただ若い頃と違って、同じ「微妙な年頃」という言葉であっても、ある種の甘さは感じられない。

リッカルド・ムーティ指揮ベルリン・フィルハーモニー管弦楽団、スウェーデン放送合唱団、ストックホルム室内合唱団ほかの演奏でモーツァルトの「レクイエム」を聴く。
１ヶ月ちょっと前にも聴いているが、オーケストラと合唱の威力はやはり満点に近い。ドラマティックであるが、起伏が激しく、時に威圧的になる演奏だ。ミシェル・コルボのようにリリシズムを押し出す指揮者とは正反対の演奏である。ドラマティックな「レクイエム」もたまにはいい。実際の葬儀の時に流す種類の演奏ではないけれど。

「自分の葬儀にレクイエムを流すとしたら、誰の曲を選ぶか」、という問いを音楽好きの人にしたら１位はどうなるのだろう。やはりモーツァルトの「レクイエム」だろうか。それとも天国的なフォーレの「レクイエム」だろうか。３大「レクイエム」とされるのは、モーツァルト、フォーレ、そしてヴェルディの「レクイエム」であるが、ヴェルディの「レクイエム」は曲の魅力はともかく一般人の葬儀には向いていないような気がする（ヴェルディの「レクイエム」とは、映画「バトル・ロワイヤル」でお馴染みのあの曲です）。

京都芸術センターフリースペースで、辻企画の公演「世界」を観る、と書きたいのだが、実際は舞台には余り目をやらなかったので、観たといえるのかどうか。
二部構成で、間に舞台転換のために休憩があり、観客はいったん外に出されるのだが、その時帰れるなら帰ってしまっていいと思う。２４歳で書くような芝居ではない。それにしても司辻の作品は、回を追う毎に水準が落ちていくが、どうなっているのだろう？　卒業制作はそこそこ良かったのに。といっても卒業制作もマラソンで例えるとロサ・モタが…、あ、これじゃよくわからないか。若い人はロサ・モタも、このギャグもわからないかも知れない。相撲で例えると、土俵際まで追いつめられながら徳俵で足を残してうっちゃった、という成功で、質が圧倒的に高かったわけではない。でも司辻も含めてみな勘違いしてしまったのだろうか。

本来なら観に行くような公演ではないのだけれど、少しは私も良いことをした。天国に行けるかどうかは、生前、人をどれだけ強く祈らせたかで決まるという（「ホルン吹きと司祭」の話より）。私は上演中（約１００分）ずっと「早く芝居が終わりますように」と懸命に祈っていたから、司辻は間違いなく天国に行けるはずだ。（了）

１２月３日（日）

街を歩いていて面白い場所を見つける。いかにも京都らしい場所だが、観光地ではない。というよりも観光客が来て楽しむよりも、普段から京都に住んでいる人が見つけて京都の良さを再確認するという種類の場所である。
雰囲気も眺めも良く、本当に本物の京都愛好家なら気に入ること間違いなしである。

アルベールビル冬季オリンピック開会式＆閉会式の演出を手掛けたことで知られるフランスの演出家・振付家のフィリップ・ドゥクフレの来日公演「SOLO」を観る。大阪のシアター・ドラマシティにて。
普段は振付か演出に専念しているドゥクフレが「久しぶりに踊ってみたい」ということで企画されたソロダンス公演。ただソロとはいっても、音楽の生演奏（トロンボーン＆ウクレレ）や映像が入るため、全てをドゥクフレがやっているわけではない。

大阪ということで、ドゥクフレは大阪弁のセリフの書かれた紙を読み上げる。更にドゥクフレが書いたものを日本語訳したナレーションが録音で入る。ノンクレジットだったが、声でナレーターだ誰かすぐにわかる。２日前にドラマシティで「SOLO・LIVE」を行った吹越満だ。吹越はテレビのナレーションなども多く手掛けているので声に聞き覚えがあり、わかりやすい。

ドゥクフレは床のそばに小型カメラを置いて自身の足をクローズアップしたり、原色の照明を用いたり、影絵効果や映像によって自己の分身を作るなど、面白いことをやる。
いくつものドゥクフレの影や映像の分身を見ているうちに、どれが実体でどれが虚像なのか境界が曖昧になってくる。舞台上の生身のドゥクフレが次第に虚像に溶けていき、あるいは実像や虚像の重要性が等価になったり逆転するように見える。虚だから無意味であるという投げやりな常識が次第に軋み始めるのだ。

シアター・ドラマシティであったが、前から５列目であったため、小劇場と変わらない距離で観ることが出来た。すぐ後ろの列に造形大のM山N人がいるのが気になったが（M山さんは観劇マナーが余り良くない）。

終演後、ドゥクフレらによるトークがある。観客からの質問にドゥクフレが答えるという形なのだが、抽象的な質問が多く、ドゥクフレは答えにくそうだった。かと思ったら、「体が柔らかくなる運動があったら教えて下さい」という作品とは何の関係もない注文を出す女性もいてドゥクフレ苦笑い。それでもちゃんといくつか簡単なトレーニングを紹介して見せた。

タワーレコードNU茶屋町店で買い物をしてから帰る。

ロヴロ・フォン・マタチッチ指揮ＮＨＫ交響楽団、国立音楽大学合唱団の演奏で、ベートーヴェンの交響曲第９番「合唱付き」を聴く（キング・レコード）。１９７３年１２月、東京・渋谷のＮＨＫホールでのライヴ収録。ＮＨＫホールはこの年完成ししたばかりである。

ＮＨＫによる収録だが、音は鮮明で勢いがある。

マタチッチの作る音楽は骨太で剛毅、スケールも大きい。第１楽章冒頭から叩きつけるような迫力があり、優美な第３楽章も歌心より内に込められた情熱をあぶり出すことに力を入れており、今は余り聴かれなくなった「偉大なベートーヴェン」像を聴くことが出来る。

ＮＨＫ交響楽団の技術も予想していたより高く、国立音楽大学（くにたちおんがくだいがく）の合唱も大人数だけに威力がある。

迫力に関しては第一級の演奏だ。迫力が一番目立ってしまっている感は否めないが、虚仮威しの演奏ではないので好感が持てる。

ライヒ、グラス、ジョン・アダムスらのミニマルミュージックを集めたＣＤを聴く（ノンサッチ）。繰り返しが心地良い曲と神経に障る曲とがある。ミニマルは成功すると反復の快感を味わうことが出来るが、失敗すると簡単に退屈へと墜落する怖ろしい音楽でもある。（了）

１２月４日（月）

久しぶりに鴨川の河原で演技の訓練を行う。それにしても今日は冷える。特に河原にいると寒さは一層増す。訓練自体は面白いけれど、気温が低すぎて体に悪い。１時間ほどで切り上げる。詳しい内容は「sagan blog」で。
 

ヤープ・ヴァン・ズヴェーデン指揮オランダ放送フィルハーモニー管弦楽団の演奏で、ブルックナーの交響曲第４番「ロマンティック」を聴く。エクストン・レーベル。

ヤープ・ヴァン・ズヴェーデンは１９６０年生まれの指揮者。もともとはヴァイオリニストで、１９歳でアムステルダム・コンセルトヘボウ管弦楽団（ロイヤル・コンセルトヘボウ管弦楽団）のコンサートマスターに楽団史上最年少で就任したほどの俊才であった。１０年ほど前から指揮活動を行っている。これまでの最大の成果はオランダ・フィルハーモニー管弦楽団とオランダ放送フィルハーモニー管弦楽団を振って完成させた「ブラームス交響曲全集」（ブリリアント・クラシックス）。ブリリアント・クラシックスの自主制作となるこのＣＤで、剛胆且つ繊細で、輝きにも渋みにも勢いにも欠けていない若々しい快演を披露し、それまで他レーベルの音源の寄せ集めレーベルというイメージだったブリリアント・クラシックスのイメージを覆して見せた。
その後に録音した「ベートーヴェン交響曲全集」は余り話題にならなかったようだが、オランダ放送フィルの先の責任者であったエド・デ・ワールトがエクストンにレコーディングを行っていた関係からか、ズヴェーデンもエクストンに登場した。

ズヴェーデンは、このブルックナーでは音を丁寧に彫刻し、弦楽合奏に柔らかみを与えることであたかもパイプオルガンのような響きを出すことに成功している。パイプオルガンの名手であり、交響曲を作曲する時も常にパイプオルガンの音色を意識していたといわれるブルックナー。そんなブルックナーがこの演奏を聴いたら狂喜するに違いない。

管は抑え気味であり、迫力よりも響きの美しさを追求する。フォルテシモでも金管を煽ることはせず、常に他の音との調和を図る。
ショルティのブルックナーの対極を行く演奏であり、おそらくズヴェーデンという指揮者はかなり耳が良いと思われる（ショルティの耳が悪いということではない）。

グレン・グールドの弾くモーツァルトのピアノ・ソナタ第７番〜第１０番を聴く。ソニー・クラシカルから出ている全集盤より。
ピアノ・ソナタ第８番第１楽章の疾風怒濤ぶりはやはり凄いが、その他の曲はユニークな演奏というに留まっている。ただグールドの怖さは、ユニークな演奏なのに聞き込んでいるとそれがあたかもスタンダードであるかのようになってしまい、他の正統派の演奏を受け入れられなくなることが多いことだ。それだけ聴き手を引き込む力の強いピアニストである。

意識ではそれほど疲れているとは思わないのだが、体が重い。体の方が正直である。（了）

１２月５日（火）

ドイツの中堅指揮者クリスティアン・ティーレマンの指揮、ミュンヘン・フィルハーモニー管弦楽団、バイエルン放送合唱団ほかの演奏で、モーツァルトの「レクイエム」を聴く（ドイツ・グラモフォン）。今日聴くのには当然ながら理由がある。多くのモーツァルト愛好家が、今日、彼の「レクイエム」を聴いたと思われる。

ティーレマン盤は今年２月に録音された最新ＣＤ。国内盤ＣＤであるが、ライナーノーツにティーレマンを讃えつつ、サイモン・ラトルらを散々にけなす文章が載せられているのが気になる。だが、そこにはドイツ贔屓の焦りも見て取れるのである。
現役の人気指揮者の名前を思いつくままに書いてみると、サー・サイモン・ラトル（イギリス）、ヴァレリー・ゲルギエフ（ロシア）、マリス・ヤンソンス（ラトヴィア）、クラウディオ・アバド（イタリア）、リッカルド・ムーティ（イタリア）、リッカルド・シャイー（イタリア）、ロリン・マゼール（アメリカ）、ジェイムズ・レヴァイン（アメリカ）、エサ＝ペッカ・サロネン（フィンランド）、ユッカ＝ペッカ・サラステ（フィンランド）、サカリ・オラモ（フィンランド）、ミッコ・フランク（フィンランド）、ネーメ・ヤルヴィ（エストニア）、パーヴォ・ヤルヴィ（エストニア）、ウラディーミル・フェドセーエフ（ロシア）、ダニエル・ハーディング（イギリス）、ケント・ナガノ（アメリカ。日系）、デイヴィッド・ジンマン（アメリカ）、アダム＆イヴァン・フィッシャー（ハンガリー）、小澤征爾（日本）、スタニスラフ・スクロヴァチェフスキ（ポーランド）、ズービン・メータ（インド）、チョン・ミョンフン（韓国）など、非独墺系指揮者が多数を占める。独墺系では、ベルリン生まれのティーレマンのほか、ミヒャエル・ギーレン（ドイツ）、フランツ・ウェルザー＝メスト（オーストリア）の活躍が目立つ程度だろうか。

クラシック音楽の本場（かどうかは本当はわからないのだが）としてドイツ・オーストリアは多くの名指揮者を生みだし、２０世紀の名匠の多くがドイツ・オーストリア出身か、ドイツで教育を受けてそのままドイツで活躍していたのだが、指揮者に限ればドイツ系は最早主流ではない。

現役としては数少ないドイツ系名指揮者の一人であるティーレマンは１９５９年生まれ。歌劇場の指揮者としてまずは副指揮者（国やオーケストラによって形態は異なるが、オペラハウスの副指揮者は総雑用係りであることが多く、初期の段階のリハーサルで歌手のためのピアノ伴奏をしたり、総譜のチェックをしたりで、実際は指揮台に立てない副指揮者も多い）として、それも無給でキャリアをスタートさせている。カルロス・クライバーもそうだったように、歌劇場の無給の指揮者から這い上がるというのがドイツにおける指揮者の王道であり、他国のようにコンサートオーケストラの指揮者としてキャリアをスタートさせることはかっては少なかった。

ティーレマンと現代指揮者界の予備知識はここまで。

ティーレマンの指揮はいかにもドイツ正統派のかっちりとした造形を誇り、オーケストラからも４０代の指揮者としては渋い音を引き出す。合唱も美しく、「レクイエム」の演奏としては上質だ。
ただ、やはり堅さは伺われ、他の指揮者によるモーツァルトの「レクイエム」、例えばこの間聴いたムーティ指揮の押しの強さ、コープマン指揮の涼やかな美しさ、ミシェル・コルボ指揮ローザンヌ・アンサンブル＆コーラスの可憐さなどと比べて音楽的魅力は落ちるように思われる。「レクイエム」の演奏であるということを考えればティーレマンのスタイルも一つの理想を示していることはわかるのだが。
 

大阪へ。シアター・ドラマシティに観劇に行く。今日は十五夜ということで、阪急電車が淀川上の鉄道橋に差し掛かったとき、東の空に程よくこげた色の満月が見え、その光りが淀川の水面に道を作り出すという、何とも風流な光景が現れる。私の少し後ろにいた若い女の子二人組が車窓の外の美しさに感動の声を上げる。感動の歓声を上げられるというのは考えてみれば若い女性の特権だ。同じ女性でもおばさんは…、あ、ここはカット。若くても男性同士が感動の声を上げているのは……、うーん、あんまり想像したくないな。
 

今日観るのは阿佐ヶ谷スパイダースの「イヌの日」。２０００年に初演された作品であり、今回は台本に加筆しての再演となる。作・演出はいうまでもなく長塚圭史。出演は、内田滋（うちだ・しげ）、伊達暁（だて・さとる）、八嶋智人、美保純、劔持たまき、村岡希美、大堀こういち、長塚圭史ほか。

中津家の居間と寝室、そして裏庭の防空壕内が舞台。
中ちゃんこと中津（伊達暁）は母親の和子（美保純）と二人暮らしであるが、中津家には中津の友人が数多く集まる。警官の五味（大堀こういち）、遊び人の明夫（長塚圭史）、広瀬（内田滋）など。五味や明夫は中津の母親である和子と関係を持っている。和子はもともとは淫売であった。中津はそんな和子に敵愾心を抱き、その影響からか女性恐怖症でもあるようだ。
そんな中津には実は秘密があった。１７年前、当時小学５年生であった同級生ら４人を自宅の裏手にある元防空壕に監禁していたのだ。といっても中津は暴力的手段ではなく、同級生達を「外の世界は壊滅状態であり、危険すぎる」と騙すことで恐怖心を与え、外に出ないよう諭すことで監禁状態を作りだしていた…。

正直、大嫌いな種類の芝居である。とにかくまともな人が一人も出てこない。この手の芝居が苦手なのは私だけではないようで（当たり前だが）初演の時も評判は悪かったそうだ（「ほんとにつまんないって言われたし、怒って帰る人もいた」。長塚圭史・談。『イヌの日パンフレット』より）。しかし、私は大笑いし、切なさも覚え、優れた舞台だと思った。感心した。

監禁状態にあったため、年は取っても内面が成熟していない大人のなりをした子供達＝“Grownup Babys”は不気味であり、実際、舞台中でも「不気味」、「気持ち悪い」といった言葉は沢山出てくる。しかし、一見すると大人に見える中津の内面が実は一番子供じみていることが徐々にわかってくる。なぜ中津がそういう大人になってしまったのか、また同級生達を監禁した理由を中津は「１０年ぐらい閉じこめておいたらどうなるか」という興味からと広瀬に語るのだが、実際は、中津は菊沢（劔持たまき）という女の子が好きであり、彼女が美人であるにも関わらず性格が暗かったため苛められているのを不憫に思ってというのが最初の動機らしい。そして菊沢が「一人じゃ寂しい」というので害の無さそうな他の同級生を連れてきて一緒に閉じこめたのだ。監禁というと性的な連想がすぐに浮かぶが、中津は母親への嫌悪からか菊沢が好きなのに彼女を神聖視したのか、いつまで経っても関係を持とうとしなかった。それどころか、菊沢をずっとイノセントの状態で保とうとした。だから、明夫（母親と情交している場面を目撃して中津は激怒、明夫を元防空壕内に生き埋めにするが明夫は菊沢に助け出される）が菊沢と関係を持ったことを知った中津はほとんど錯乱状態になる。

ふしだらな母親・和子も息子である中津にだけは良く思われたかった。子供から愛して貰いたかった。しかし母子の心はずっとすれ違ったままである。

本当は残酷ではない人間が残酷な地獄を作りだし、自らもそこへ堕ちていく様を炙り出す劇であり、グロテスクなストーリーの裏に、「人間」の哀しみへの温かい眼差しが感じられる芝居でもあった。（了）

１２月６日（水）

右足が軽く痛む。半年前に買った靴はとっくに履きつぶしてしまった。私が生きているのはそういう世界だ。

サー・チャールズ・マッケラスの若き日の録音を聴く。若き日といっても「４０、５０は洟垂れ小僧」と言われる指揮者界のことなので、３０代、４０代なのだけれど。
ニュー・フィルハーモニア管弦楽団を指揮した、ドリーブの「コッペリア」＆「シルヴィア」ハイライト、グノーの「ファウスト」よりバレエ音楽、コヴェントガーデンのロイヤル・オペラハウス管弦楽団を指揮した、アンドレ・メサジェの「二羽の鴉」ハイライト。ニュー・フィルハーモニア管弦楽団を指揮したものは１９７０年の、ロイヤル・オペラハウス管弦楽団との「二羽の鴉」ハイライトは１９５６年の録音である。ＥＭＩレーベル。
マッケラスは、古楽器演奏が盛んなイギリスを本拠地にしていた時に、そちらの研究も行い、サイモン・ラトルらに先駆けて、モダン楽器によるピリオド演奏を実践していたことからもわかる通り、知識に裏打ちされた面白い音楽をやる指揮者である。が、このＣＤではまだそういった面白さよりも、音楽作りのセンスの良さの方が目立っている。活気に溢れた演奏であるが、マッケラスならではという個性はまだ出ていない。
それでも良い演奏であるが、録音が今一つ。ステレオ初期の録音であるメサジェ作品はともかくとして、ドリーブやグノーの録音も鮮度に欠ける。１枚９００円弱の廉価盤だからかも知れないが、あるいはマスターテープの保存状態が良くなかったのか、若しくはマスターではなくそのコピーからのＣＤ化なのか。

西宮北口・南口にある兵庫県立芸術文化センターへ。スタニスラフ・スクロヴァチェフスキ指揮ザールブリュッケン放送交響楽団の来日公演を聴くためである。
開場３０分ほど前についたので、西宮北口駅北東口のショッピングビル内にあるジュンク堂へ。イプセンの「ペール・ギュント」新訳版を見つけたので購入する。

ザールブリュッケン放送交響楽団はドイツ・ザールランド地方のオーケストラ。スクロヴァチェフスキ指揮で録音した「ブルックナー交響曲全集」（アルテ・ノヴァ。現在は系列のエームス・クラシックス・レーベルから発売されている）で一躍世界的注目を浴びている。ただオーケストラの機能そのものはドイツのオケとしては上の部類ではなく、録音で聴く限り、ＮＨＫ交響楽団といい勝負である。今日、実演に接しての印象もやはり「ＮＨＫ交響楽団といい勝負」と変わらなかった。メカニックはまずまずだが、音の輝きがもっと欲しい。

スタニスラフ・スクロヴァチェフスキは、１９２３年生まれのポーランド出身の指揮者。アメリカのミネアポリス交響楽団（現・ミネソタ管弦楽団）の指揮者として、アメリカのクラシックファンや、その他の国の玄人好みのクラッシックファンからは高い評価を受けていたが、本格的に注目を浴びるようになったのは１９９０年代に入ってからである。ザールブリュッケン放送交響楽団を指揮した前述「ブルックナー交響曲全集」と現在録音を薦めている「ベートーヴェン交響曲全集」が好評を博している。

今日はそのベートーヴェンの交響曲第６番「田園」と交響曲第５番というプログラム。

今年８３歳になるスクロヴァチェフスキであるが、指揮姿は相変わらず激しい。が、妙なことに気づく。スクロヴァチェフスキ最大の魅力である緊密な音作りに綻びが感じられるのだ。最初は、「『田園』だからソフトに演奏しているのだろう」と思っていたが、次第に、「いや、これは枯れたのだ」とわかり始める。１０年前、スクロヴァチェフスキの実演に初めて接したときはムラヴィンスキーを思わせる厳しい音作りに感動したものだが、今のスクロヴァチェフスキにはかってほどの厳しさはない。老匠とはいえ、棒を激しく振るタイプなので肉体の衰えが音楽に如実に反映されるのだろうか。
スクロヴァチェフスキは枯れた表現が魅力に繋がるタイプではない。だが、断定するのはまだ早い。後半の交響曲第５番の演奏を待つことにする。スクロヴァチェフスキの指揮する第５は、東京でも京都でもＮＨＫ交響楽団の実演に接しているから判断しやすいはずだ。

交響曲第５番。相変わらず、快速のテンポを採用。冒頭の主題も輝かしい。が、やはりかっての濃密な演奏ではないことが段々わかってくる。スクロヴァチェフスキは、ベーレンライター版の楽譜に手を加えた独自の譜面を採用しているが、今日の演奏は、東京で聴いたものとも京都で聴いたものとも違った。また手を加えたのだろう。最終楽章で、金管が高らかに凱歌を挙げる、と思ったら急に音を弱くするなど、独自の表情も見られる。また時折、かっての輝きを上回るような激しい表情をつけたりもする。８０代でなおも前進し続け、音楽を楽しむスクロヴァチェフスキの内面の豊かさに心打たれる。
しかし、あのスクロヴァチェフスキが枯れた演奏をするようになってしまったことは、ひどく哀しかった。終演後、聴衆は熱狂する。だが、スクロヴァチェフスキという指揮者の力はこんなものではなかったのだ。もっともっと凄い指揮者だったのである。

こんな寂しい気持ちでコンサート会場を後にすることになるとは予想していなかった。

横浜の多村と福岡ソフトバンクの寺原のトレードが成立。高校時代に怪物と呼ばれた寺原もプロでは故障もあって苦戦気味。高卒ルーキーで１年目から活躍したピッチャーは最近では松坂大輔のみで、松坂がいかに傑出したピッチャーであるかがわかる。（了）

１２月７日（木）

朝から曇り空。正午近くになって小雨がぱらつく。外に出ていたので、本降りになったら嫌だな、と思っていたのだが、幸い雨は止む。

@niftyのブログである「ココログ」が５３時間におよぶ長期メンテナンスを終えた。が、当初予定されていたバージョンアップは「原因不明」の負荷が大きいため見送り、メンテナンス前の状態に戻したという。意味ないじゃん。
それにしても、ブログのメンテナンス時には「原因不明」というお詫びの言葉が必ずといっていいほど出てくる。ブログがまだ発展途中のメディアであるためか、あるいは専門家にも把握できないほど高度化されているのか。

夕方になり雨は本降りになる。

雨の中を京都コンサートホールまで歩く。

京都市交響楽団第４９５回定期演奏会。指揮台に立つのは京都市交響楽団（京響）第８代常任指揮者でもあった「コバケン」こと小林研一郎。コバケンさんが京響の指揮台に立つのは約２０年ぶりだそうで、そのためか、今日は立ち見が出るほどの盛況であった。その詰めかけた聴衆は普段京響を聴きに来る常連さんよりもかなりテンションが高め。小林の常任時代を知る人達なのか、あるいはコバケンファンが駆けつけたのか、とにかく演奏終了後、爆発的に盛り上がる。

曲目はモーツァルトのピアノ協奏曲第２０番（ピアノ独奏：河村尚子）と、コバケンの十八番であるベルリオーズの幻想交響曲。

河村尚子（かわむら・ひさこ）は、１９８１年、兵庫県西宮市に生まれた若手ピアニスト。５歳の時に父親の転勤でドイツに渡り、以後ずっとドイツで教育を受け、現在もハノーファー国立音楽大学（大植英次が終身教授を務めている大学である）のソリスト課程で研鑽を積んでいる。国籍も容姿も日本人だが、内面はおそらくヨーロッパ人という、日本の女性演奏家に多いパターン（内田光子や庄司紗矢香などがそうだ）を踏襲しているものと思われるが果たしてどうなのだろう。コンクールでも優秀な成績を収めており、ダルムシュタット・ヨーロッパ・ショパン・コンクールなどで優勝。今年の９月にもＡＲＤミュンヘン国際コンクール・ピアノ部門で第２位となっている。

コンクール歴は当てにならないというのがクラシック音楽界の常識になっている（受賞歴があったほうがないよりは仕事が増える可能性があるといった程度のものでしかない）ので、河村には余り期待していなかったのだが、予想よりはかなり良いピアニストであった。まだ技術が前面に出過ぎるところがあり、単調になったり、時には乱暴に弾いて見せたりもするが、細部の表情付けがユニークで才能を感じさせる。何より楽しそうにピアノを弾くのが良い。
コバケンの伴奏は旋律を優雅に歌わせる流れ重視ではなく、まずカッチリとした構築を築き、その中で勝負するタイプであるが、モーツァルトの音楽の典雅さは十分出ている。

演奏終了後、爆発的に盛り上がる。確かに良い演奏ではあったが、それほどか？　でもまあいいや。

アンコール。河村はモーツァルトのピアノ・ソナタ第１８番より第３楽章を弾く。表情豊かな演奏で、やはり河村が楽しそうにピアノを弾くのが良い。

ベルリオーズの幻想交響曲。小林の幻想交響曲は、当時彼が常任指揮者を務めていたハンガリー国立交響楽団の来日公演を生で聴いている。響きの良くない東京国際フォーラム・ホールＣでの演奏だったということもあって、特別な名演にはならなかったが、印象深い演奏であった。

久しぶりに聴くコバケンの幻想は、以前よりも低弦を強調。コントラバスのピッチカートなども思い切り弾かせて、第１バイオリンが奏でる典雅な旋律と対比させ、この曲が持つ特異さがより明確に現れるようになっていた。

京響は特に金管が輝かしく、弦も情熱に溢れた音を聴かせる。

第３楽章のイングリッシュホルンとオーボエの対話の場面では、オーボエ奏者（佐渡のオケに入ってすぐに辞めて京響に来たフランス人の彼）を３階席に置いて演奏させ、京都コンサートホールのシューボックス型の内部を上手く生かしていた。

第４楽章、第５楽章の情熱が飛び散る演奏はいつもながら迫力がある。ステージ下手に置かれた大きな鐘の視覚的異様さも幻想交響曲の面白さを引き立てていた。

第５楽章の最後の音が鳴り終わると同時に、洪水のような拍手がホール全体を満たし、「ブラボー」がここかしこで起こる。

コバケンさんはそれぞれの演奏パート毎に立たせて、好演したオーケストラを讃えた。

更にアンコールとして、幻想交響曲第５楽章のラスト４０秒を再度演奏。ちょっとサービスしすぎかな、とも思ったが、聴衆は更に盛り上がったので良かったということにする。（了）

１２月８日（金）

今にも雨が降りそうな天気だったが、幸い天気は保った。しかし晴れ間がのぞかないと洗濯物が乾かない。毎日洗濯をして、服が多くなり過ぎるのを避けるというのが、ワンルームの部屋に住む場合は利口なのだが、太陽が現れないと、この考えは利口から一気に備えのない愚かしさへと転落する。

高野で買い物。そういえばプリンターのインクが少なくなっていたので買ってくれば良かった。今度はメモして行こう。

サイモン・ラトル指揮のＣＤを聴く。フィルハーモニア管弦楽団を指揮したショスタコーヴィチの交響曲第１０番と、バーミンガム市交響楽団を指揮したブリテンの鎮魂交響曲をカップリングしたＣＤ（ＥＭＩ）。

ショスタコーヴィチの交響曲第１０番はラトルがまだ２０代だった頃の演奏だが、オーケストラを操る技術の高さに驚かされる。フォルテシモにおける威力は抜群だが、単に音が大きいというだけではなく味が濃い。この録音から２０年以上が経った今、ラトルがこの曲を演奏したらどうなるのだろう。大いに興味がある。

ブリテンの鎮魂交響曲はラトルが３０歳の時の演奏で、これもオーケストラは良く鳴っている。ラトルの表現も魅力的だが、何かが足りない。何が足りないのだろう？　後でまた聴いて探してみるか。

ヘルベルト・フォン・カラヤン指揮ベルリン・フィルハーモニー管弦楽団の演奏で、チャイコフスキーの交響曲第６番「悲愴」を聴く。これもＥＭＩの音源。
カラヤンは「悲愴」に特別な愛着を抱いていたようで、生涯に実に７度もレコーディングしている。今日聴くのは５回目のレコーディングで、録音時期は１９７１年９月。
当時のベルリン・フィルがいかに甘美で且つ力強い響きを持っていたかがわかる録音で、まず音そのものに圧倒されてしまう。カラヤンの演出も素晴らしく、たたみかけるような迫力や、第３楽章でこれでもかとばかりにオケを煽って熱狂的な音楽を作り、第４楽章のメランコリックな出だしを強調させるなど、「悲愴」演奏の王道を堂々と歩んで成功している。もし全盛期のカラヤンの指揮する「悲愴」を生で聴けていたら、終演後に立ち上がれなくなるほどの興奮を覚えたのではないだろうか。

イングリット・ヘブラーのピアノで、モーツァルトのピアノソナタ第８番、第９番、第１１番「トルコ行進曲付き」を聴く（DENON）。
ヘブラーは現代を代表するモーツァルト弾き。今年も来日公演が予定されていたが病気のため中止となった。
一音一音にモーツァルトへの愛情を込めた演奏である。ただ面白いかどうかは別で、そもそもヘブラーは「面白い音楽を作ろう」などとは考えていないだろうし、モーツァルトの音楽よりも音楽家の個性を前面に出した演奏家を軽蔑するタイプかも知れない。
ピアノ・ソナタ第１１番を２回続けて聴く。

パソコンの調子が不安定になる。もうそろそろハードディスクの平均寿命とされる５年目に差し掛かる。様々なメンテナンスをしっかりしないと。（了）

１２月９日（土）

一日を通して雨。読書と音楽の一日。

年末でもあり、ＣＤと書籍の整理にもかかる。

スキャナをこれまであまり使ってこなかったので、今日はブログにスキャナで取り込んだ画像を多く載せてみる。これだけ載せれば十分だろう。

今日聴いたＣＤは、エド・デワールト指揮ミネソタ管弦楽団によるマーラーの交響曲第１番「巨人」（ヴァージン・クラシックス）と、イングリット・ヘブラーの弾くモーツァルトのピアノ・ソナタ第１５番ほか（DENON）、そしてマウリツィオ・ポリーニの弾くストラヴィンスキーの「ペトルーシュカからの３楽章」＆プロコフィエフ、ヴェーベルン（ウェーベルン）、ブーレーズ作品（ドイツ・グラモフォン）。

エド・デ・ワールトの「巨人」は、オーソドックスな演奏で、オーケストラも巧いが、安定志向が強いのか、傑出した部分や際だった個性に欠けるのが惜しい。悪い演奏ではないのだが、強く印象には残らなかった。

ヘブラーのアルバムは、やはり何といっても彼女のモーツァルトへの限りない愛情が感じられるのが良い。一つ一つの音符を愛でるように奏でる様を聴いていると、こちらも幸せな気分になる。

ポリーニの強靭で水晶のように透明なタッチによって弾かれるピアノが作り出す音は特別なものだ。神業としか思えない瞬間もある。ポリーニはやはり現代物を弾くのが一番良いようだ。ショパンの「スケルツォ」やベートーヴェンのソナタなどのＣＤを聴くと、「もう少し温かみが欲しい」という不満も覚えるのだが、彼のシャープな音楽性はストラヴィンスキーやヴェーベルン、ブーレーズ作品にはぴったりである。

ＴＢＳ系列「世界ふしぎ発見！」は中国の上海と江南地方を特集。ブラウン管に映る明や清の時代の建築が残る街並みを見て、不思議と心が安まる。（了）

１２月１０日（日）

イタリアの映画音楽家ニーノ・ロータの作品を、モンテカルロ・フィルハーモニー管弦楽団が演奏したＣＤを聴く。指揮はイタリア出身のジャンルイジ・ジェルメッティ。
「戦争と平和」、「山猫」、「道」、「ワーテルロー」の音楽を収録。「道」の音楽はかなり有名だが、それ以外は音楽よりも映画作品の方が有名である。ニーノ・ロータは「ロミオとジュリエット」や「ゴッドファーザー」、「太陽がいっぱい」などの映画音楽も書いているが、それらは収められていない。映画のイメージが強すぎるからだろうか。
ジャンルイジ・ジェルメッティは、８０年代後半から９０年代初頭にかけて脚光を浴びた指揮者だが、録音に否定的なことで知られたセルジウ・チェリビダッケの弟子であったためか、レコーディングには消極的であり、このＣＤやオペラ数曲、交響曲など数点を録音したものの、再びレコーディング活動からは遠ざかってしまっている。現在はシドニー交響曲団の首席指揮者であり、今年のアジア・オーケストラでもシドニー交響楽団とともに来日した（ザ・シンフォニーホールでも公演を行ったが、私は同じ日の同じ時間帯に神戸で行われたファジル・サイのピアノリサイタルを聴きに行っていたのでジェルメッティの指揮に接することは出来なかった）。

いかにもイタリア映画の音楽であるニーノ・ロータの音楽をイタリア人のジェルメッティが自信と誇りを持って指揮しているのがわかる。
クラシックとしてＥＭＩから発売されているＣＤだが、映画音楽ファンの方が楽しめる作品ではないだろうか。
ニーノ・ロータ自身は映画音楽の作曲家とみなされることは不本意であったようで、本職はあくまでクラシックの作曲家だと思っていたようだが、このＣＤを聴く限り、本人の意志に反してやはり映画音楽向きの資質を持っていたように思える。

午後４時から人間座スタジオで劇団rimの「洗濯王」を観る。ある男の脳内の世界に人々が入り込むというシュールな作品。
劇団rimは前回の公演より後退しているように思われる。
長ゼリフを多用していたが、そうしなければ展開出来ないという脆さを感じさせる上に、役者の負担も大である。
長ゼリフは難しい。セリフを憶える難しさもあるが、長ゼリフは役者のレベルを如実に現してしまう。私も一度かなり長いセリフを用いる芝居に出たことがあるが、まずセリフの長さを気にして緊張する、頭の回転に口が追いつけないので細部の発音が曖昧になる、結果、もともと悪い滑舌がよりひどくなる、と散々だった。
そういえば、ビートたけしは滑舌が悪いため、長ゼリフのある役は断っていると聞く。

ＮＨＫ大河ドラマ「功名が辻」も今日で最終回。何だかんだで仲間由紀恵の演技もどんどん上達していったし、良い大河ドラマだったように思う。最終回はこれまでの回想と山内一豊死後の出来事を１時間で駆け抜けたため、せわしなかったが、まあ納得できる出来。仲間由紀恵が少女時代の千代を演じるシーンは狙いすぎのような気もしたが。

ＮＨＫ教育「芸術劇場」では、加藤健一と畠中洋による二人芝居「詩人の恋」が放送された。ロベルト・シューマン作曲の同名の連作歌曲をモチーフにした作品。レオンカヴァルロの歌劇『道化師』より「衣装を纏え」の内容と、帽子をかぶることを重ね合わせるなど、細部の技術が光る本だ。
加藤健一と畠中洋の二人の役者も大健闘。内容も深く、充実した劇であった。（了）

１２月１１日（月）

同じ地区のもみじでも、すでに散ってしまっているところと今を盛りとばかりに輝いているところがある。そうした様もまたをかし。
 

サー・チャールズ・マッケラス指揮プラハ室内管弦楽団の「モーツァルト交響曲全集」（TELARC）より、第３８番「プラハ」と第３９番を聴く。
チェンバロを痛奏低音として用い、室内オーケストラのスリムな響きを生かしつつ活気に満ちた演奏であり、最上のモーツァルト演奏の一つである
プラハ室内管弦楽団は世界最高の室内オーケストラの一つで、普段は指揮者なしでの演奏を行っている。こぼれるような美音が特徴だ。
マッケラスはモーツァルトの交響曲第３９番をイギリス室内管弦楽団とも録音しているが、そちらはピリオド的な発想を採り入れた、よりアグレッシブな演奏になっている。

佐渡裕指揮シュトゥットガルト放送交響楽団のマーラー交響曲第５番の演奏を聴く。avexクラシックス。
ライブ録音であるが、佐渡は指揮は熱さよりもオーケストラコントロールを重視している。佐渡ファンには物足りない演奏家も知れない。
整った演奏であり、曲の魅力を自然に伝えている。ただ、傑出した演奏とはいえないだろう。

１９９１年のモーツァルト没後２００年の時もそうだったが、モーツァルト生誕２５０年の今年も１２月になって滑り込みのようにモーツァルト特番がある。ＮＨＫのプライム１０「山本耕史とたどるモーツァルトへの旅」である。
タイトルそのままに、大河ドラマ「新選組」の土方歳三役が好評を博して以来、ＮＨＫお気に入りの俳優となった山本耕史がモーツァルトゆかりのザルツブルグ、プラハ、ウィーンを旅するという番組。かなりオーソドックスな作りであり、ＮＨＫらしい番組ともいえる。
１９９１年の時は民放もモーツァルト番組を積極的に作った。特にテレビ朝日系列は熱心だった。黒柳徹子、池田満寿夫、羽田健太郎らが出演した番組は今でも印象に残っている。弟子のフランツ・クサヴァー・ジュースマイヤーと、モーツァルトの次男フランツ・クサヴァー・モーツァルトが同じ名前であることの謎にも触れており、羽田健太郎が番組の最後で、「モーツァルトもクサヴァーの影で…」と駄洒落を言っていた。（了）

１２月１２日（火）

サー・チャールズ・マッケラス指揮プラハ室内管弦楽団の「モーツァルト交響曲全集」（TELARC）から、第４０番、第４１番「ジュピター」を聴く。
交響曲第４０番第１楽章“モルト・アレグロ”は速度指定通りの「疾走する悲しみ」の演奏だ。だが同じ疾走する悲しみでも古楽器出身の指揮者のような疾風怒濤の悲しみではなく、落ち着いた大人の悲しみである。激しくなり過ぎることはなく良い意味で「中庸」だ。
交響曲第４１番「ジュピター」は室内編成のオーケストラの演奏ながらスケールは大きく、輝かしい演奏となっている。音に生命が宿り、躍動する理想的な「ジュピター」演奏だ。

オイゲン・ヨッフム指揮アムステルダム・コンセルトヘボウ管弦楽団（ロイヤル・コンセルトヘボウ管弦楽団）の「ベートーヴェン交響曲全集」（フィリップス）から、交響曲第９番「合唱付き」を聴く。
今年ももう第九のシーズンである。私は年中第九を聴いているから年末だからどうこうということはないのだけれど、せっかくブログもあることだし、そのうち第九の記事も書いてみたいと思っている。
アムステルダム・コンセルトヘボウ管弦楽団の渋い音色とヨッフムの渋い芸風が合致した、どちらかといえば玄人好みの演奏である。優れた演奏であるが、年末の第九として聴くにはもっと華やかな演奏の方がいいだろう。
 

今度はポピュラー音楽。沖縄音楽界の大御所、登川誠仁の「スピリチュアル・ユニティ」を聴く（リスペクト・レコード）。
映画「ナビィの恋」のおじい役でも有名になった登川誠仁。その「ナビィの恋」でも使われた「くんじゃんジントーヨー」をはじめとする「安佐屋ユンタ」などの沖縄民謡や登川のオリジナル曲など全１６曲を収録。スピーカーの向こうから沖縄の風が吹き込んできて、冬の寒さを連れ去っていくようなご機嫌なアルバムである。
実はこのアルバムは、「ナビィの恋」の中江祐司監督のサイン入りである。
２００２年に今はなき京都朝日シネマで「ナビィの恋」の上映があった時、舞台挨拶に来ていた中江祐司監督（京都市出身、沖縄在住）が上映終了後にサイン会を行っていたため、登川おじいのＣＤを買い、ジャケットにサインを貰ったのだ。

 

ＤＶＤで映画「アイデン＆ティティ」を観る。俳優の田口トモロヲがメガホンを取った作品。原作：みうらじゅん、脚本：宮藤官九郎。出演：峯田和信、麻生久美子、中村獅道、マギーほか。
４人組のバンド・スピードウェイ。メジャーデビューしたばかりのスピードウェイだが、メジャーになっても生活が良くなるわけではない。バンドマンは使い捨てであり、明日が見えるわけでもない。
スピードウェイのギタリスト・中島（峯田和信）は、バンドの楽曲を一人で制作しているが、自分達が目指す音楽と音楽業界との間に隔たりを感じ、自分達は本当のロックをしていないと痛感している。そんな中島の前にボブ・ディランが現れる……

予想していたよりもずっと良い映画だった。ロックの映画だが、心を揺り動かすのではなく、胸にそっと染み込みタイプの物語だ。かといってロックしていないわけではなく、配分が絶妙である。
宮藤官九郎の脚本の巧さが光るが、あるいは宮藤自身がロックバンドのメンバーであることも関係しているのかも知れない。音楽もやる人の脚本はやらない人の脚本とは違うはずだし、この「アイデン＆ティティ」の脚本もある意味音楽的である。

麻生久美子がかなり理想化された大人の女性を演じている。ああいう出来た女性はまずいないはずだが、本当にいたらいいな、と男ゆえに馬鹿である私は叶わぬことを思ってしまうのだった。（了）

１２月１４日（木）

パソコンの中身の移動に時間を取られる。一応、「パソコン引越しソフト」というのがあると聞いて、昨日パソコンショップを当たってみたのだが、２０GBの別ドライブが必要とのことであった。５年近く前のモデルである今までのパソコンは全体でも４０GBであり、その半分にも相当する空きドライブなどあるわけもないので諦めた。


ネーメ・ヤルヴィ指揮バイエルン放送交響楽団の演奏で、グラズノフの交響曲第１番、第５番を聴く。オルフェオ・レーベル。
グラズノフの交響曲は聴いている時はロマンティックで広がりのあるいかにもロシア情緒にとんだ曲想に感心するのだが、聴き終わると他のロシアの作曲家の作品のメロディーとごっちゃになってしまったりする。とはいえ、いい作曲家だ。もっと人気が出てもいいと思う。ただグラズノフは、同じロシア出身の超人気作曲家・ラフマニノフの天敵とみなす人も多いので、ラフマニノフ以上の人気を博すことは難しいと思われる。
ネーメの指揮は丁寧であり、適切なテンポと表情付けに本物の職人の技が感じられる。


オルフェオ・レーベルからもう１枚。オイゲン・ヨッフム指揮バンベルグ交響楽団の演奏によるモーツァルトの交響曲第３９番と第４０番を聴く。

交響曲第３９番は、序奏からどっしりとした安定感があり、華々しさこそ控えめだが確固たる信念に満ちた音楽をヨッフムは作り上げている。

交響曲第４０番は、この時代の巨匠風の演奏で、第１楽章も疾走せず、ゆったりと旋律を歌い上げる。個人的にはやはり「疾走する悲しみ」の交響曲第４０番の方が好きだが、晩年の（といってもまだ３０代だが）モーツァルトの穏やかな諦観ともいうべき境地を歌い上げる巨匠風スタイルにも惹かれる。


ある戯曲を読んで大いに感動する。アメリカの戯曲だ。アメリカという国は色々と問題を抱えているがやはり力がある。それはこういう戯曲の存在によっても思い知らされるのである。（了）